Biografía de David Bowie

Vida, legado y música inolvidable

David Robert Jones, conocido mundialmente como David Bowie, nació el 8 de enero de 1947 en Londres y falleció el 10 de enero de 2016 en Nueva York. Este icónico cantautor, actor, multiinstrumentista y diseñador británico dejó una huella imborrable en la música popular durante casi cinco décadas, siendo un verdadero innovador en la industria.

Desde su infancia en Brixton, al sur de Londres, Bowie mostró gran interés por la música, estudiando arte, música y diseño antes de sumergirse en su carrera musical en 1963. Aunque lanzó un álbum y varios sencillos, fue su tema «Space Oddity» en 1969 el que lo llevó al estrellato en el Reino Unido.

Bowie se reinventó en 1972 con su alter ego Ziggy Stardust, en plena era del glam rock, con el éxito «Starman» y el álbum The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. Su biógrafo, David Buckley, resalta el impacto de Bowie en la música de la época, afirmando que creó «el personaje más importante de la cultura popular».

En 1975, Bowie conquistó el mercado estadounidense con su sencillo «Fame», coescrito con John Lennon, y el álbum Young Americans. Luego, sorprendió a todos con el disco minimalista Low (1977), el primero de tres colaboraciones con Brian Eno, que forman parte de la llamada «Trilogía de Berlín».

Después de varios éxitos comerciales, Bowie logró números uno en el Reino Unido con «Ashes to Ashes» y Scary Monsters (and Super Creeps), colaboró con Queen en el éxito «Under Pressure» y lanzó el exitoso álbum Let’s Dance en 1983, con temas como «China Girl» y «Modern Love». Durante las décadas de 1990 y 2000, Bowie siguió experimentando con diversos estilos musicales, como el blue-eyed soul, industrial, adult contemporary y jungle.

Su último álbum, Blackstar, fue lanzado el 8 de enero de 2016, solo dos días antes de su muerte. Buckley destaca la influencia única de Bowie en la cultura popular, afirmando que «ha permeado y cambiado más vidas que ninguna otra figura pública». En 2002, la cadena televisiva BBC lo situó en el puesto 29 de los 100 británicos más importantes y, en 2004, la revista Rolling Stone lo incluyó en sus listas de los 100 artistas y los mejores cantantes de todos los tiempos.

David Bowie, con una carrera que abarcó casi cinco décadas, vendió aproximadamente 136 millones de discos y recibió numerosos premios y reconocimientos en el Reino Unido y Estados Unidos. Sin duda, su legado perdurará en la historia de la música y la cultura popular.

1947-1962: Los inicios y la infancia de David Bowie

David Robert Jones, más conocido como David Bowie, nació el 8 de enero de 1947 en Brixton, Londres. Hijo de Margaret Mary «Peggy» y Haywood Stenton «John» Jones, David creció en una familia amante de la música y el arte. Su madre trabajaba como acomodadora de cine, mientras que su padre se desempeñaba en publicidad para la ONG Barnardo’s.

Bowie asistió al Stockwell Infants School hasta los seis años, donde destacó por su inteligencia y rebeldía. En 1953, la familia se mudó a Bromley, y dos años más tarde, David comenzó sus estudios en el Burnt Ash Junior School. Allí, sus habilidades musicales empezaron a florecer, ya que su voz fue considerada «adecuada» para el coro escolar y su habilidad con la flauta sobresalía.

A los nueve años, David ya mostraba un gran talento para el baile, con interpretaciones calificadas como «vistosamente artísticas». Su interés en la música se intensificó cuando su padre le regaló una colección de discos de vinilo de artistas como Frankie Lymon, The Platters, Fats Domino, Elvis Presley y Little Richard. Al escuchar «Tutti Frutti» de Presley, Bowie afirmó que había «escuchado a Dios». La influencia de Presley en el joven Bowie fue tal que lo llevó a imitar a sus ídolos y comenzar a tocar instrumentos como el ukelele, el bajo tea-chest y el piano.

Después de cambiar al Ravens Wood School, Bowie estudió arte, música y diseño, así como trazado y composición tipográfica. Su hermanastro, Terry Burns, lo introdujo al mundo del jazz moderno, lo que llevó a su madre a regalarle un saxofón alto de plástico en 1961. David comenzó a recibir clases de un músico local, profundizando aún más en su amor por la música.

En 1962, David tuvo un altercado en la escuela con su amigo George Underwood, quien le propinó un puñetazo en el ojo izquierdo durante una pelea por una chica. Los médicos temieron que pudiera perder la vista en ese ojo, lo que resultó en una serie de operaciones y una hospitalización de cuatro meses. Aunque no perdió la vista, el incidente dejó a Bowie con una percepción de la profundidad defectuosa y una pupila dilatada permanente. A pesar de este episodio, Underwood y Bowie mantuvieron su amistad, y Underwood incluso llegó a diseñar las portadas de los primeros discos de Bowie.

Así, con una infancia llena de arte, música y experiencias que marcaron su vida, David Bowie comenzó a forjar su camino en el mundo del espectáculo, convirtiéndose en una de las figuras más icónicas de la música y la cultura popular.

1962-1968: Del inicio con The Kon-rads hasta la etapa en The Riot Squad

En 1962, cuando cambió su saxofón de plástico por uno verdadero, Bowie, de 15 años, fundó su primera banda, Kon-rads. Con una formación que variaba entre cuatro y ocho miembros, incluyendo a su amigo George Underwood, la banda tocaba rock and roll en fiestas juveniles y bodas. Al abandonar la escuela al año siguiente, Bowie compartió con sus padres su deseo de convertirse en estrella del pop, pero su madre le consiguió un trabajo como ayudante de electricista.

Desilusionado con las bajas ambiciones de sus compañeros de banda, Bowie dejó Kon-rads para fundar King Bees. Escribió una carta al exitoso empresario John Bloom, pidiéndole que hiciera por ellos lo que Brian Epstein había hecho por The Beatles. Aunque Bloom no aceptó, derivó a Bowie a Leslie Conn, quien se convirtió en su primer representante.

Adoptando el nombre artístico de Bowie en honor a Jim Bowie, creador del cuchillo Bowie, el músico lanzó su primer sencillo «Liza Jane», sin éxito comercial. Insatisfecho con The King Bees, Bowie se unió a The Manish Boys, una banda de blues con influencias de soul y folk. Sin embargo, su sencillo «I Pity the Fool» tampoco tuvo éxito, lo que llevó a Bowie a unirse a Lower Third, un trío de blues muy influenciado por The Who.

Después de otro sencillo sin éxito, Bowie anunció que abandonaría el pop para estudiar mímica en el teatro Sadler’s Wells, pero continuó con Lower Third por un tiempo. Su nuevo representante, Ralph Horton, lo llevó a unirse a The Buzz, con quienes lanzó otro sencillo sin éxito. Mientras tanto, Bowie también se unió a The Riot Squad, aunque sus grabaciones nunca fueron publicadas.

Cambiando su nombre artístico para evitar confusiones con Davy Jones de The Monkees, Bowie lanzó su sencillo en solitario «The Laughing Gnome» en 1967, sin éxito. Meses después, publicó su álbum debut, David Bowie, una mezcla de pop, rock psicodélico y music hall, que tampoco tuvo éxito comercial.

La fascinación de Bowie por lo extraño creció al conocer al bailarín Lindsay Kemp, quien lo ayudó a exteriorizar su creatividad. Estudiando arte dramático con Kemp, Bowie comenzó a crear personajes para mostrar al mundo. Compuso canciones como «Over the Wall We Go» y «Silly Boy Blue», que fueron interpretadas por otros artistas.

Después de trabajar con Hermione Farthingale en un proyecto teatral, la pareja comenzó a salir y fundaron una banda junto con John Hutchinson. Entre 1968 y 1969, el trío realizó algunos conciertos donde mezclaban folk, mersey beat, poesía y mímica.

1969-1974: Del folk psicodélico al deslumbrante glam rock

De Space Oddity a Hunky Dory: la evolución de David Bowie

David Bowie tuvo un comienzo difícil en su carrera musical, con poco éxito comercial y luchando para ganarse la vida de otras maneras. Apareció en anuncios y películas de bajo presupuesto para poder sobrevivir. Sin embargo, todo cambió cuando produjo «Love You till Tuesday», una película de actuaciones de su repertorio. Durante las sesiones de grabación, Bowie presentó una nueva canción que significaría su primer gran éxito: «Space Oddity», lanzado en 1969 y coincidiendo con la llegada del hombre a la luna.

Después de completar la película, Bowie se mudó con Mary Finnigan y se unió a Christina Ostrom y Barrie Jackson para dirigir un club de folk en Londres, que más tarde se convirtió en el popular Beckenham Arts Lab. The Arts Lab organizó un festival gratuito en un parque local, inmortalizado en la posterior canción de Bowie «Memory of a Free Festival». «Space Oddity» se lanzó el 11 de julio de 1969 y rápidamente entró en el Top 5 del Reino Unido.

Con el éxito de «Space Oddity», Bowie se estableció como artista en solitario, pero sintió la necesidad de una banda completa para relacionarse personalmente y musicalmente. Formó una banda con John Cambridge, Tony Visconti y Mick Ronson, pero su primer trabajo de estudio se vio afectado por las diferencias creativas. Cambridge fue reemplazado por Mick Woodmansey, y Bowie despidió a su mánager y lo reemplazó por Tony Defries después de un largo litigio.

En 1970, Bowie lanzó su tercer álbum, «The Man Who Sold the World», caracterizado por su sonido de hard rock y producido por su nueva banda de soporte. Para promocionar el disco en los Estados Unidos, Bowie concedió entrevistas a los medios y a las emisoras de radio. Durante esta gira, se inspiró en Iggy Pop y la música de Lou Reed, lo que dio como resultado el personaje de Ziggy Stardust.

En 1971, Bowie lanzó «Hunky Dory», producido por Ken Scott y Trevor Bolder, respectivamente. El álbum incluía la canción «Kooks», escrita para su hijo, así como tributos a sus influencias con canciones como «Song for Bob Dylan», «Andy Warhol» y «Queen Bitch». A pesar de ser un álbum más serio, no tuvo gran éxito comercial en su momento.

Ziggy Stardust: La creación del culto más grande de la cultura popular

Con Ziggy Stardust, Bowie revolucionó la escena musical y creó un culto sin igual en la cultura popular.

Vestido con un llamativo traje y el cabello teñido de rojo, Bowie lanzó su espectáculo como Ziggy Stardust junto a The Spiders from Mars en el pub Toby Jug en Tolworth el 10 de febrero de 1972. Según su biógrafo David Buckley, Bowie desafió el núcleo de la música rock de la época y creó un culto a Bowie que era único y duradero.

El espectáculo fue un rotundo éxito y catapultó a Bowie al estrellato en el Reino Unido durante su gira en los siguientes meses. Su álbum The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, lanzado en junio de 1972, combinaba elementos de hard rock y rock/pop experimental. El sencillo «Starman» fue la primera piedra del lanzamiento al estrellato de Bowie en el Reino Unido y ambos entraron rápidamente en las listas de venta después de su actuación en julio en el programa musical Top of the Pops.

El álbum permaneció dos años en las listas de venta y generó un culto sin igual en la cultura popular, mientras que su gira Ziggy Stardust Tour continuó su camino hacia los Estados Unidos. Durante este tiempo, los sencillos «John, I’m Only Dancing» y «All the Young Dudes» también se convirtieron en éxitos.

Bowie no solo contribuyó con su voz en el disco Transformer de Lou Reed, sino que también coprodujo el disco junto a Ronson en 1972. Su propio disco de 1973, Aladdin Sane, llegó al primer puesto de las listas británicas, siendo el primero en conseguirlo. Bowie describió el disco como «Ziggy va a América» y contiene canciones compuestas mientras viajaba por los Estados Unidos en la primera parte de la gira de Ziggy.

Aladdin Sane engendró dos sencillos Top 5: «The Jean Genie» y «Drive-In Saturday». Bowie se convirtió en un ícono de la música y su legado musical sigue siendo una influencia en la cultura popular hoy en día.

Bowie como Ziggy Stardust: cuando el personaje se adueñó del hombre

David Bowie siempre fue un artista completo, entregado en cuerpo y alma a su música y a la actuación. Tanto fue así, que su amor por los personajes que creaba para su música le llevó a sumergirse completamente en ellos. Bowie confesaba que «fuera del escenario soy un robot. En el escenario consigo emocionarme. Eso probablemente explica por qué prefiero disfrazarme de Ziggy a ser David«.

Pero tanto tiempo interpretando el mismo papel acabó pasando factura a Bowie, quien confesó que le resultó imposible separar su persona de Ziggy Stardust, y más tarde, de The Thin White Duke. «Ziggy no me dejó tranquilo durante años. Aquí fue cuando todo comenzó a agriarse… Toda mi persona se vio afectada. Se convirtió en algo peligroso. Realmente tuve dudas sobre mi cordura», confesó el artista.

Sus últimas presentaciones como Ziggy fueron altamente teatrales y llenas de momentos escandalosos en el escenario, como desnudarse y usar un taparrabos de luchador de sumo o simular sexo oral con la guitarra de Ronson. Pero Bowie continuó girando y dando entrevistas como Ziggy hasta su abrupto y dramático «retiro» en el Hammersmith Odeon de Londres el 3 de julio de 1973. Este concierto quedó inmortalizado en la película de 1983 Ziggy Stardust and the Spiders from Mars.

Después de la separación de su banda, Spiders from Mars, Bowie decidió seguir adelante alejándose del personaje de Ziggy. Pero su legado musical ya era insuperable, con discos como The Man Who Sold the World y Space Oddity relanzados en 1972, y el éxito arrollador de «Life on Mars?», que llegó al puesto número tres en las listas británicas.

Pero eso no fue suficiente para Bowie, quien sorprendió a sus fans con el lanzamiento de Pin Ups en octubre de 1973, una colección de versiones de sus canciones favoritas de los años 60 que llegó a posicionarse en el puesto número uno de la lista de álbumes del Reino Unido. El sencillo «Sorrow», extraído del álbum, también llegó a ser un éxito en las listas de éxitos.

Bowie seguía sorprendiendo a su público, y en febrero de 1974, en el programa Top Pop de los Países Bajos, interpretó su último sencillo «Rebel Rebel», perteneciente a su siguiente álbum Diamond Dogs.

David Bowie fue el artista más vendido en el Reino Unido en 1973, con seis discos en la lista de ventas al mismo tiempo

1974-1976: soul, funk y The Thin White Duke

En 1974, se trasladó a los Estados Unidos, donde primero se instaló en Nueva York y luego se mudó a Los Ángeles. Fue en este último lugar donde se inspiró para crear Diamond Dogs, un disco dividido entre el soul y el funk, que surgió de dos ideas distintas: un musical basado en un futuro salvaje en una ciudad postapocalíptica, y la idea de musicalizar la obra de George Orwell, 1984.

El disco llegó al número uno en el Reino Unido y al número cinco en los Estados Unidos, y se extrajeron dos sencillos: «Rebel Rebel» y «Diamond Dogs». Para promocionarlo, Bowie inició la gira Diamond Dogs Tour, en la que visitó diferentes ciudades estadounidenses entre junio y diciembre de 1974. La coreografía estuvo a cargo de Toni Basil, y los efectos especiales fueron muy teatrales.

A pesar del éxito de la gira y del disco, David Bowie pasaba por un mal momento. En el documental Cracked Actor, dirigido por Alan Yentob, se puede ver a un Bowie escuálido y pálido, debido a su adicción a la cocaína, que lo llevó a estar débil, paranoico y emocionalmente inestable. Sin embargo, el álbum en directo que acompañó a la gira, David Live, solidificó el estatus de Bowie como superestrella, llegando al puesto número dos en el Reino Unido y al número ocho en los Estados Unidos. Además, su versión del éxito de Eddie Floyd, «Knock on Wood», entró en el Top 10 británico.

Después de un descanso en Filadelfia, Bowie retomó la gira con un nuevo enfoque hacia el soul, dejando atrás los excesos y las adicciones para centrarse en su música.

Tras su exitosa gira de Diamond Dogs, Bowie se tomó un descanso en Filadelfia para grabar nuevo material y experimentar con nuevos sonidos. Así nació Young Americans, un disco que lo llevó a explorar el soul y el funk, y que incluía colaboraciones de artistas como Luther Vandross y Carlos Alomar.

El álbum se lanzó en 1975 y fue un éxito en todo el mundo, con temas como «Fame», que llegó al número uno en los Estados Unidos y en el Reino Unido. Para promocionarlo, Bowie inició la gira Soul Tour, en la que volvió a sorprender a su público con su habilidad para reinventarse una y otra vez.

Según el biógrafo Christopher Sandford, la mayoría de los roqueros ingleses habían intentado imitar de alguna manera el estilo musical y de vida afroamericano, sin embargo, pocos habían alcanzado el éxito que tuvo Bowie en su momento. Con su álbum «Young Americans», el icónico cantante sorprendió a sus fieles seguidores del Reino Unido al cambiar radicalmente su estilo, al que denominó «plastic soul».

Este sonido revolucionario le valió a Bowie su primer número uno en los Estados Unidos con la canción «Fame», coescrita con John Lennon y con la colaboración de Carlos Alomar. Esta hazaña dejó boquiabiertos a muchos y reafirmó el talento y versatilidad de este artista legendario. Sin lugar a dudas, un hito que quedará por siempre en la historia de la música.

Pero Bowie no se conformó con el éxito de Young Americans, y en 1976 presentó Station to Station, un disco que lo llevó a adoptar un nuevo personaje: The Thin White Duke. Con un estilo más elegante y sofisticado, Bowie interpretó temas como «Golden Years» y «TVC15», y demostró una vez más su versatilidad musical.

La gira Station to Station Tour también sorprendió a los fans de Bowie, con una puesta en escena teatral y surrealista, y con un artista que demostró estar en su mejor momento. Pero detrás de la imagen de éxito y glamour, Bowie seguía lidiando con problemas personales y adicciones, que lo llevaron a decir en una entrevista que había estado viviendo «en una especie de niebla oscura».

A pesar de todo, la música de Bowie seguía siendo un éxito, y Station to Station llegó al número cinco en los Estados Unidos y al número tres en el Reino Unido.

Pero, ¿qué había detrás de la creación del personaje de The Thin White Duke? Según Bowie, fue una especie de respuesta a su adicción a la cocaína y a su necesidad de controlar su vida y su carrera. El personaje era frío y distante, y reflejaba la idea de que Bowie era un artista por encima de todo. Su talento y su capacidad para crear música única seguía siendo innegable, y sus fans lo seguían adorando.

En 1976, Bowie también apareció en la película The Man Who Fell to Earth, que le permitió demostrar sus habilidades como actor y su capacidad para crear personajes complejos y fascinantes.

En resumen, los años 1974-1976 fueron una época de exploración y experimentación para David Bowie, quien se adentró en el soul, el funk y la creación de personajes como The Thin White Duke. A pesar de sus problemas personales, Bowie seguía siendo uno de los artistas más influyentes de la época.

Además, Bowie continuó su carrera cinematográfica, con apariciones en otras películas como Just a Gigolo y Christiane F. – Wir Kinder vom Bahnhof Zoo. En su música, Bowie también comenzó a experimentar con la electrónica, lo que lo llevaría a crear algunos de sus discos más innovadores en los años venideros.

Pero los años 1974-1976 también estuvieron marcados por la turbulenta vida personal de Bowie, que luchaba con su adicción a las drogas y afrontaba problemas en su matrimonio con Angela Bowie.

David Bowie se convirtió en uno de los primeros artistas blancos en participar en el programa de televisión estadounidense Soul Train, donde hizo una interpretación con Playback de los temas «Fame» y «Golden Years», este último lanzado en octubre. El álbum «Young Americans» tuvo gran éxito comercial tanto en los Estados Unidos como en el Reino Unido. Además, una reedición del sencillo de 1969 «Space Oddity» se convirtió en el primer número uno británico, luego de que «Fame» alcanzara el mismo logro en los Estados Unidos.

A pesar de su fama y éxito, Bowie vivía en una situación financiera inestable. Según su biógrafo Christopher Sandford, a pesar de vender más de un millón de copias solo con «Ziggy Stardust», Bowie «subsistía esencialmente con dinero suelto». En 1975, Bowie despidió a su mánager en una jugada similar a la que había hecho quince años atrás con su amigo y mánager Ken Pitt. Después de varios meses de litigio, Bowie perdió millones de dólares de sus futuras ganancias en lo que Sandford describe como «un final muy generoso con Defries». Después de esto, se encerró en su ático ubicado en West 20th Street, donde durante una semana se escucharon sus lamentos a través de la puerta cerrada.

Finalmente, Michael Lippman, el abogado de Bowie en las negociaciones, se convirtió en su nuevo representante, pero al año siguiente Bowie lo despidió y Lippman también recibió una generosa compensación.

El álbum «Station to Station» de 1976 presenta un nuevo alter ego de Bowie: «The Thin White Duke», que toma su nombre de la letra de la canción principal del disco. Visualmente, este personaje era una extensión de Thomas Jerome Newton, el extraterrestre que Bowie interpretó ese mismo año en la película «El hombre que vino de las estrellas». Este álbum representa una evolución del funk y soul de «Young Americans» y es un adelanto de la música con sintetizadores y krautrock que Bowie presentaría en futuros lanzamientos.

Sin embargo, la adicción a las drogas de Bowie se hizo evidente durante una entrevista para el programa de televisión de Russell Harty poco antes de comenzar la gira promocional de «Station to Station». Justo antes de la entrevista, se anunció la reciente muerte de Francisco Franco, y se pidió a Bowie que cediera tiempo para permitir la difusión de las noticias relacionadas con España. Sin embargo, se negó rotundamente y se inició la entrevista, dejando las noticias para después.

Durante la conversación con Harty, como describe el biógrafo David Buckley, «las palabras del cantante eran prácticamente ininteligibles durante el tiempo que duró la larga entrevista. Bowie parecía estar completamente desconectado y era casi incapaz de decir una frase coherente». Más tarde, confesaría que su cordura se había visto afectada debido al consumo de cocaína, habiendo sufrido varias sobredosis ese mismo año, lo que comenzaba a ser alarmante para su aspecto físico.

Tras el lanzamiento del álbum «Station to Station» en enero de 1976, Bowie inició una gira de tres meses y medio por Europa y Estados Unidos. El Isolar – 1976 Tour presentó un escenario austero y destacó canciones del álbum, incluyendo la larga y dramática «Station to Station», las baladas «Wild Is the Wind» y «Word on a Wing», y las más funky «TVC 15» y «Stay». La banda conformada por Alomar en la guitarra rítmica, George Murray en el bajo y Dennis Davis en la batería, lo acompañó durante el resto de la década.

Aunque la gira fue un gran éxito, estuvo envuelta en controversias políticas. Se dice que en Estocolmo, Bowie afirmó que «el Reino Unido se beneficiaría de un líder fascista», mientras que en las aduanas ruso-polacas fue detenido por tener parafernalia nazi. El tema volvió a dar de qué hablar en mayo, cuando llegó a Londres y protagonizó lo que se conoce como el «incidente del Victoria Station». Llegó en un descapotable Mercedes y saludó al gentío en una forma que algunos interpretaron como un saludo nazi, lo que fue capturado en fotografía y publicado en la revista NME. Bowie alegó que el fotógrafo simplemente lo capturó a mitad de un saludo con la mano.

Más adelante, Bowie culpó de sus comentarios profascistas a sus adicciones y al personaje de Thin White Duke. Según el dramaturgo Alan Franks en un artículo en The Times, «estaba realmente desquiciado. Tuvo unas muy malas experiencias con las drogas duras». En su momento, Bowie estaba fascinado con la mitología y la derecha, incluso descubrió al Rey Arturo. Sin embargo, en retrospectiva, se dio cuenta de que estaba completamente fuera de sí y que sus adicciones lo llevaron a decir cosas que no representan sus verdaderas creencias.

1976-1979: Berlín

En 1976, Bowie se mudó a Suiza y adquirió un chalet en las montañas al norte del lago Lemán. Sin embargo, en lugar de disfrutar de su nuevo entorno, su consumo de cocaína aumentó y su interés por alcanzar metas fuera de su carrera musical comenzó a crecer. Empezó a pintar y visitar galerías de arte en Ginebra, convirtiéndose en un prolífico coleccionista de arte contemporáneo. En ese momento, también comenzó a trabajar en una autobiografía y a tomar cursos intensivos de música clásica y literatura.

Antes de finalizar 1976, Bowie se mudó a Berlín Oeste para desintoxicarse y revitalizar su carrera. Compartió un piso con Iggy Pop en Schöneberg y comenzó a trabajar con Brian Eno, enfocándose en música ambiental y minimalista, lo que dio comienzo a la «Trilogía de Berlín». Durante ese tiempo, Bowie también colaboró en el álbum debut de Iggy Pop, The Idiot, y su continuación, Lust for Life.

Low (1977), parcialmente influenciado por el sonido Krautrock de bandas como Kraftwerk y Neu!, evidencia un cambio en la forma de componer de Bowie. El método narrativo fue reemplazado por una forma musical más abstracta, donde las letras son esporádicas y opcionales. RCA no recibió bien el lanzamiento de Low, ya que Bowie estaba en un momento de cambio artístico. Sin embargo, se extrajo el sencillo «Sound and Vision», que se posicionó en el número tres de la lista británica. En el Reino Unido, el álbum superó en ventas a su predecesor Station to Station, llegando al puesto número dos de las listas.

En 1992, el compositor contemporáneo Philip Glass describió Low como la «obra de un genio» y lo utilizó como base de su Symphony No. 1 «Low». Además, Glass elogió la facilidad de Bowie para crear «piezas de música bastante complejas, enmascaradas como piezas sencillas». Sin duda, Bowie estaba en un momento de gran creatividad e innovación.

El segundo disco de la trilogía de Berlín de David Bowie, «Heroes», combina elementos de música minimalista e instrumental con pop y rock gracias a la colaboración del guitarrista Robert Fripp. El álbum refleja el espíritu de la Guerra Fría, representado por la ciudad dividida de Berlín, a través de sonidos ambientales de diversas fuentes, incluyendo ruido blanco, sintetizadores y un koto. A pesar de que la canción que da título al disco solo llegó al puesto número 24 en la lista de sencillos británica, se convirtió en un éxito duradero y pronto se lanzaron versiones en alemán y francés.

A finales de 1977, David Bowie interpretó su canción «Heroes» en el programa de televisión de Marc Bolan. Dos días después, el artista se unió al legendario Bing Crosby en un especial navideño, donde cantaron una versión única de «Peace on Earth/Little Drummer Boy». Esta nueva versión de «The Little Drummer Boy» incluyó un verso contrapuntual que le dio un giro inesperado al clásico navideño.

A pesar de que la versión a dúo pasó desapercibida en su lanzamiento en 1977, cinco años después se convirtió en un éxito sorprendente, llegando al número tres en las listas británicas el día de Navidad de 1982. Este logro es una muestra del legado duradero de Bowie y Crosby en la música popular y en la cultura navideña. La colaboración de estos dos artistas icónicos sigue siendo recordada como un momento memorable en la historia de la música.

Después de la exitosa creación de «Low» y «Heroes», David Bowie se dedicó a la gira de Isolar II durante la mayor parte de 1978. En esta gira, llevó la música de los dos primeros discos de la «Berlin Trilogy» a casi un millón de personas en setenta conciertos en doce países. Este fue un momento crucial en la carrera de Bowie, ya que demostró su capacidad para llevar su música a una audiencia global y expandir su base de fans.

Durante esta época, Bowie también logró superar sus problemas de adicción a las drogas. Según el biógrafo David Buckley, la gira de Isolar II fue la primera en cinco años en la que Bowie no se anestesió con grandes cantidades de cocaína antes de subir al escenario. A pesar de que no olvidaba los problemas que le habían causado las drogas, su estado mental era lo suficientemente bueno como para hacer amistades y seguir adelante con su carrera musical.

Las grabaciones de esta gira dieron como resultado el álbum en vivo «Stage», lanzado al mercado en ese mismo año. Este álbum muestra la energía y el talento de Bowie en vivo, y es un testimonio de su habilidad para conectarse con su audiencia a través de su música y su presencia en el escenario. En resumen, la gira de Isolar II y el álbum en vivo «Stage» son un ejemplo de la dedicación y el compromiso de Bowie con su arte y su público.

«Lodger» (1979), la tercera y última pieza del «tríptico» de David Bowie, rompe con la naturaleza minimalista y ambiental de los dos anteriores y vuelve parcialmente al rock de guitarra y batería de su época anterior a Berlín. El resultado es una mezcla compleja de new wave y world music, con la inclusión de escalas musicales orientales de la región del Hiyaz.

Bowie utilizó una baraja de Oblique Strategies creada por Brian Eno y Peter Schmidt para componer algunas de las pistas del álbum, lo que le dio un giro interesante a su proceso creativo. En «Boys Keep Swinging», los miembros de la banda tuvieron que cambiar sus instrumentos entre sí, mientras que «Move On» usó los acordes de «All the Young Dudes» tocados al revés. «Red Money», por otro lado, utilizó partes de «Sister Midnight», una canción compuesta anteriormente con Iggy Pop.

El disco fue grabado en Suiza y antes de su lanzamiento, Mel Ilberman de RCA lo describió como «el Sergeant Pepper de Bowie». Ilberman dijo que el álbum conceptual describe al «lodger» como un trotamundos sin hogar, rechazado y victimizado por las presiones de la vida y la tecnología. El álbum también marcó el final de la asociación de Bowie con Eno después de quince años de colaboración.

«Lodger» fue un éxito en el Reino Unido, llegando al número cuatro en las listas, y en los Estados Unidos, alcanzando el puesto veinte. También produjo dos exitosos sencillos en el Reino Unido: «Boys Keep Swinging» y «DJ». Sin embargo, este periodo de éxito estuvo acompañado de desafíos personales, como el divorcio de Bowie y Angela después de meses de batallas judiciales, lo que marcó el final de su matrimonio a principios de 1980.

1980-1989: de estrella a superestrella

«Scary Monsters (and Super Creeps)» (1980) de David Bowie fue un álbum innovador que presentó un sencillo número uno, «Ashes to Ashes». La canción, que incluye el trabajo de texturas de guitarra-sintetizador de Chuck Hammer, reintroduce al personaje de Major Tom de «Space Oddity«. «Ashes to Ashes» fue un hito en la carrera de Bowie, que aprovechó la oportunidad para mostrar al mundo el movimiento underground new romantic, al visitar el club londinense «Blitz» para contratar a algunos de sus miembros regulares, incluyendo a Steve Strange de la banda Visage, para actuar en el videoclip de la canción.

Aunque «Scary Monsters» utilizó algunos de los principios de los álbumes de Berlín, los críticos lo consideraron mucho más directo musical y líricamente. El disco incluye llamativas contribuciones de guitarra de Robert Fripp, Pete Townshend, Chuck Hammer y Tom Verlaine. El álbum también marca el final de la trilogía de Berlín de Bowie y representa un regreso a sus raíces más rockeras.

La parte hard rock del disco se destaca por sus sorprendentes contribuciones de guitarra, mientras que la canción «Ashes to Ashes» sirvió como un momento clave para el movimiento new romantic underground. El videoclip de la canción es célebre por ser uno de los más innovadores de la época.

Mientras «Ashes to Ashes» llegaba al número uno en el Reino Unido, Bowie comenzó a trabajar en un proyecto diferente. El artista protagonizó la obra de Broadway «The Elephant Man» durante tres meses, demostrando su habilidad para llevar su talento más allá de la música.

En 1981, David Bowie se unió a Queen para colaborar en el sencillo «Under Pressure», convirtiéndose en el tercer número uno del artista en el Reino Unido. La canción fue un éxito rotundo y demostró la habilidad de ambos artistas para trabajar juntos en una colaboración innovadora.

Ese mismo año, Bowie hizo una aparición en la película alemana «Christiane F.«, una historia real sobre la adicción adolescente en la Berlín de los años 70. La banda sonora de la película, llena de música de Bowie, se lanzó pocos meses después con el título de «Christiane F.».

En 1981, Bowie también protagonizó la adaptación televisiva de la obra de Bertolt Brecht «Baal», hecha por la BBC. Como resultado, se lanzó un EP de cinco canciones de la obra, grabado en Berlín, bajo el título de «David Bowie in Bertolt Brecht’s Baal».

En marzo de 1982, un mes antes del estreno de la película de Paul Schrader «Cat People», se lanzó como sencillo la canción homónima de Bowie, «Cat People (Putting Out Fire)». La canción tuvo un éxito moderado en los Estados Unidos y entró en el Top 30 británico.

David Bowie alcanzó otro gran éxito en su carrera con el lanzamiento de Let’s Dance (1983), coproducido por Nile Rodgers de Chic, que se convirtió en disco de platino tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos. Los tres sencillos del álbum entraron en el Top 20 en ambos países, y la canción que da título al disco llegó al puesto número uno. «Modern Love» y «China Girl» también llegaron al número dos en el Reino Unido, y los videoclips que los acompañaron se convirtieron en verdaderas obras de arte del pop.

Según el biógrafo David Buckley, estos videos eran «totalmente absorbentes y activaron arquetipos claves para el mundo del pop. ‘Let’s Dance’, con su narrativa enfocada en una joven pareja de aborígenes, se centra en la juventud, mientras que ‘China Girl’, con su escena de amor playero (luego parcialmente censurada) homenajeando la película From Here to Eternity, era lo suficientemente provocativa sexualmente para garantizar que MTV la emitiese con frecuencia».

Para promocionar Let’s Dance, Bowie emprendió la gira mundial Serious Moonlight, en la que estuvo acompañado por el guitarrista Earl Slick y los coristas Frank y George Simms. La gira duró seis meses y fue un gran éxito. Para 1983, Bowie ya se había convertido en uno de los más importantes realizadores de videos musicales de su época.

Let’s Dance fue un punto álgido en la carrera de Bowie, consolidando su estatus como uno de los artistas más influyentes y respetados de la música pop. Su habilidad para trabajar con otros artistas y adaptarse a los cambios en el panorama musical se convirtió en una de sus mayores fortalezas, lo que le permitió mantenerse en la cima de la industria durante décadas.

La obra Tonight (1984), enfocada también en el baile, contó con la valiosa colaboración de la aclamada Tina Turner y, una vez más, del inimitable Iggy Pop. Esta producción incluye varias canciones versionadas, entre ellas el éxito de The Beach Boys de 1966, «God Only Knows». Además, se destaca el impresionante éxito transatlántico «Blue Jean», que sirvió de inspiración para el cortometraje Jazzin’ for Blue Jean, y le valió a Bowie el prestigioso premio Grammy en la categoría de Mejor video musical.

Bowie participó en el legendario estadio de Wembley en 1985, como parte del memorable concierto benéfico Live Aid, que se llevó a cabo en varios lugares del mundo con el fin de mitigar la hambruna en Etiopía. Durante este evento, Bowie y Mick Jagger lanzaron un sencillo benéfico a dúo, «Dancing in the Street», que se convirtió en un éxito rotundo alcanzando el primer lugar en ventas en su primera semana. Ese mismo año, Bowie colaboró con el Pat Metheny Group en la creación de «This Is Not America», que formaría parte de la banda sonora de The Falcon and the Snowman. Este sencillo tuvo gran éxito, entrando en el Top 40 en los Estados Unidos y en el Reino Unido.

Bowie también hizo su debut en el cine en 1986 con su participación en Absolute Beginners, aunque la película no fue bien recibida por la crítica. No obstante, la canción que Bowie compuso para la película alcanzó el segundo lugar en la lista de sencillos británica. Además, interpretó a Jareth, el Rey de los Goblins, en la película de Jim Henson Labyrinth, también en 1986, para la cual compuso cinco canciones inigualables que dejaron una huella imborrable en el mundo del cine y la música.

En 1987 nos brindó el último álbum de estudio de la década de los 80s: Never Let Me Down. Dejando atrás el estilo de sus dos producciones anteriores, Bowie se aventuró en un rock más enérgico, impregnado de matices industriales y techno. La obra alcanzó el sexto lugar en las listas británicas, y de ella se extrajeron tres notables sencillos: «Day-In, Day-Out» – que marcó su 60ª single en la música -, «Time Will Crawl» y la homónima «Never Let Me Down».

Aunque es cierto que, tiempo después, Bowie mismo tildó a Never Let Me Down como su «punto mas bajo», calificándolo de «disco espantoso», no se puede negar que el álbum generó expectativas. Tras ofrecer nueve presentaciones exclusivas a la prensa, el 30 de mayo inició su ambiciosa gira Glass Spider, que sumó un total de 86 conciertos en distintos escenarios. En esta oportunidad, contó con la inestimable colaboración del virtuoso guitarrista Peter Frampton.

Pese a todo, la crítica no fue benevolente con la gira, tachándola de sobreproducida y acusando a Bowie de rendirse ante las tendencias del arena rock, con su despliegue de efectos especiales y coreografías deslumbrante.

1989-1991: El renacimiento de David Bowie y la era de Tin Machine

Bowie abandonó su trayectoria en solitario en 1989 para integrarse a un conjunto por vez primera desde principios de la década de 1970. Emergió un cuarteto de rock contundente, Tin Machine, tras iniciarse la colaboración con el guitarrista Reeves Gabrels. La alineación se solidificó con Tony y Hunt Sales, conocidos desde finales de los años 70 por su contribución (como percusionista y bajista, respectivamente) en el álbum Lust For Life de Iggy Pop en 1977.

A pesar de procurar un funcionamiento democrático del grupo, Bowie prevalecía en la creación musical y las resoluciones. Su primer álbum, Tin Machine (1989), tuvo un recibimiento inicial favorable, aunque sus letras politizadas no lograron una aceptación unánime: Bowie calificó una de las composiciones como «elemental, retraída, radical respecto a la sublevación de los neonazis».

Desde la perspectiva del biógrafo Cristian Standford: «Se requiere audacia para repudiar las drogas, el fascismo y la televisión […] en términos que alcanzaron el nivel literario de un cómic». EMI se manifestó en contra de «las letras moralizantes», de las «melodías reiterativas» y la «producción mínima o inexistente». No obstante, el álbum llegó al tercer puesto en el Reino Unido. La primera gira mundial de Tin Machine resultó comercialmente exitosa, pero se empezó a percibir cierta vacilación (entre críticos y seguidores) para aceptar a Bowie como un mero integrante de un conjunto.

Después de una serie de sencillos que no alcanzaron las listas de éxitos, Bowie decidió abandonar su discográfica EMI debido a desacuerdos. Además, tanto él como sus fanáticos y críticos comenzaron a sentir que no estaba cómodo siendo parte de una banda. Fue entonces cuando Bowie decidió poner en espera el segundo álbum de su proyecto musical, Tin Machine, para trabajar en solitario.

Durante su gira de siete meses, Sound+Vision Tour, Bowie interpretó sus viejos éxitos y logró nuevamente el éxito comercial y la aclamación de la crítica. A pesar de ello, su vida personal también se vio afectada en esos tiempos. Después de una década de su divorcio con Angela, Bowie conoció a la supermodelo somalí Iman gracias a un amigo en común. Se enamoraron de inmediato y se casaron en 1992.

El proyecto musical Tin Machine intentó retomar su trabajo después del matrimonio de Bowie, pero el público y los críticos, decepcionados por su primer álbum, no mostraron ningún interés en el segundo. La publicación de Tin Machine II fue marcada por una amplia campaña de publicidad y un gran conflicto acerca de la portada. La discográfica exigió el uso de aerógrafo y parches para ocultar las partes íntimas de los integrantes de la banda desnudos en poses artísticas, lo que Bowie consideraba «de gusto exquisito».

La banda salió de gira una vez más, pero después de que su álbum en vivo Tin Machine Live: Oy Vey, Baby fracasara comercialmente, la banda se separó y Bowie, aunque siguió colaborando con Gabrels, retomó su carrera solista.

1992-1999: música electrónica

En el mes de abril de 1992, Bowie formó parte del concierto homenaje a Freddie Mercury, rindiendo tributo al fallecido líder de Queen un año antes. Aparte de cantar «Heroes» y «All the Young Dudes», participó en la interpretación de «Under Pressure» junto a Annie Lennox, que se encargó de la parte vocal correspondiente a Mercury. Cuatro días más tarde, Bowie contrajo matrimonio con Iman en Suiza. Planeando mudarse a Los Ángeles, buscaron una propiedad adecuada, pero tuvieron que permanecer confinados en su hotel debido al inicio de los disturbios de Los Ángeles ese mismo día, bajo un toque de queda. Al final, optaron por establecerse en Nueva York.

En 1993, lanzó su primer álbum en solitario tras la disolución de Tin Machine, Black Tie White Noise, con influencias de soul, jazz y hip hop. Haciendo uso extensivo de instrumentos electrónicos, el álbum, en el que Bowie se reencontró con el productor de Let’s Dance, marcó el retorno del cantante a la popularidad, alcanzando la cima de las listas de álbumes británicas y produciendo tres sencillos que llegaron al Top 40, incluido el tema «Jump (They Say)».

Bowie exploró nuevas direcciones con The Buddha of Suburbia (1993), la banda sonora de la adaptación televisiva basada en la novela de Hanif Kureishi. Incluía algunos de los elementos novedosos presentes en Black Tie White Noise y marcó un giro hacia el rock alternativo. A pesar de ubicarse solamente en el puesto 87 de las listas de ventas del Reino Unido, recibió críticas muy positivas

Cómo Bowie reinventó el rock con su álbum Outside

El álbum Outside (1995) fue la culminación de la colaboración entre David Bowie y Brian Eno. Este disco, inicialmente concebido como el primer volumen de una narración no lineal sobre arte y asesinatos, combinó elementos de rock industrial y música electrónica para crear una experiencia sonora completamente nueva y vanguardista.

El concepto detrás del álbum fue inspirado por una historia corta escrita por Bowie, que presentaba una serie de personajes que se relacionaban con una serie de asesinatos brutales. La música de Outside, con su uso innovador de samplers y sintetizadores, evocaba la sensación de estar en un mundo distópico y futurista.

El éxito de Outside no solo radica en su innovación musical, sino también en su recepción por parte del público y los críticos. El álbum fue un éxito comercial en los Estados Unidos y Reino Unido, con tres sencillos que entraron en el Top 40 de la UK Singles Chart. La gira que Bowie llevó a cabo para promocionar el álbum contó con la presencia de Nine Inch Nails, lo que generó una reacción mixta entre los críticos y los fanáticos.

En 1996, Bowie ingresó al Salón de la Fama del Rock, lo que consolidó su posición como una leyenda del rock. Sin embargo, Bowie no se detuvo ahí y continuó reinventando su sonido en su siguiente álbum, Earthling (1997).

Earthling incorporó elementos de drum and bass en su sonido, lo que lo hizo destacar entre los lanzamientos de la época. El álbum fue un éxito comercial tanto en Reino Unido como en los Estados Unidos, con dos de sus sencillos entrando en el Top 40 de la primera región. La canción «I’m Afraid of Americans», originalmente compuesta para la película Showgirls de Paul Verhoeven, fue grabada de nuevo para el álbum y remezclada por Trent Reznor, lo que generó una gran difusión de su video promocional y la convirtió en un éxito en la lista Billboard Hot 100.

La gira de Earthling tuvo lugar en Europa y Norteamérica entre junio y noviembre de 1997, y fue una prueba más de que Bowie seguía siendo un innovador en el mundo de la música.

1999-2013: El neoclasicismo de Bowie

En 1999, David Bowie creó la banda sonora del videojuego Omikron, en el que tanto él como Iman aparecen como personajes. Además, su álbum «Hours…», lanzado ese mismo año, contiene canciones regrabadas de este proyecto, así como un tema de Alex Grant, ganador de un concurso organizado por Bowie para encontrar la mejor letra de canción para un videojuego. Con el uso de instrumentos en vivo, este álbum significó el adiós de Bowie a la música electrónica.

En el año 2000, comenzaron las sesiones de grabación del planeado álbum «Toy», en el que se intentaba presentar nuevas versiones de sus primeras canciones, pero nunca llegó a salir al mercado. Sin embargo, Bowie continuó trabajando con su colaborador de toda la vida, Tony Visconti, en la producción de un nuevo álbum con canciones totalmente originales: «Heathen», lanzado en 2002. Ese mismo año, nació Alexandra Zahra Jones, la hija de Bowie e Iman.

En octubre de 2001, Bowie abrió el concierto para la Ciudad de Nueva York, un evento de caridad organizado para ayudar a las víctimas de los atentados del 11 de septiembre. Interpretó de forma minimalista la canción de Simon & Garfunkel «America», seguida de una interpretación con banda completa de «Heroes». En 2002, se lanzó «Heathen» y durante la segunda mitad del año, Bowie comenzó su gira «Heathen Tour».

La gira abarcó Europa y Norteamérica y comenzó en el festival londinense Meltdown, en el que el cantante había sido elegido director artístico. Entre las actuaciones seleccionadas por Bowie para participar en el espectáculo estaban Phillip Glass, Television y The Polyphonic Spree. Además de presentarse canciones del nuevo álbum, en la gira también se interpretaron canciones de su etapa de «Low»

La Legendaria Gira de David Bowie: Reality Tour

Realizó en 2004 la gira promocional de su último álbum Reality, llamada A Reality Tour. Esta gira, que incluyó paradas en Europa, Estados Unidos, Nueva Zelanda, Australia y Japón, tuvo una asistencia total de más de 7 millones de personas, convirtiéndose en la más exitosa de la primera mitad del año.

Sin embargo, la gira no estuvo exenta de incidentes. Durante un concierto en Oslo, Bowie resultó herido en un ojo por una piruleta lanzada por un fanático. A pesar de este percance, continuó la gira, pero una semana después, mientras se presentaba en el festival Hurricane en Scheeßel, Alemania, sintió un fuerte dolor en el pecho. Inicialmente se creyó que se trataba de un nervio inflamado, pero después se le diagnosticó una arteria obstruida que requirió una angioplastia de emergencia en Hamburgo. Debido a esto, las 14 fechas restantes de la gira fueron canceladas.

Durante su recuperación, Bowie redujo sus presentaciones y apareció brevemente en el estudio y en el escenario. Sin embargo, en 2005 volvió a los escenarios en un evento televisado en Estados Unidos llamado Fashion Rocks, presentándose con Arcade Fire. También grabó las partes vocales de «(She Can) Do That», coescrita con Brian Transeau para la película Stealth. Además, contribuyó en los coros de la canción «Province» del grupo TV on the Radio, para su álbum Return to Cookie Mountain, hizo un comercial con Snoop Dogg para XM Satellite Radio y se juntó con Lou Reed para una colaboración en el álbum No Balance Palace (2005) de la banda danesa Kashmir.

Grammy y colaboraciones en vivo

Bowie obtuvo un galardón Grammy por su trayectoria completa el 8 de febrero de 2006. En el mes de abril, anunció: «Tomaré un sabatico, no realizaré giras ni grabaré discos». En el Royal Albert Hall, apareció sorpresivamente como invitado en el espectáculo de David Gilmour el 29 de mayo. El acontecimiento fue registrado, y se lanzaron posteriormente algunas composiciones en las que colaboraron.​ Retomó las presentaciones en vivo en noviembre con Alicia Keys en el Black Ball, un evento benéfico en Nueva York para la organización Keep a Child Alive.

Bowie fue designado como colaborador en el festival High Line 2007, donde eligió artistas para participar en el evento en Manhattan, y trabajó junto a Scarlett Johansson en el álbum de versiones de canciones de Tom Waits, Anywhere I Lay My Head. En 2009, con motivo del cuarenta aniversario del aterrizaje del hombre en la luna en julio de 1969 (y también el aniversario del lanzamiento de «Space Oddity»), EMI publicó las pistas grabadas en ocho pistas y creó un concurso para realizar una remezcla En enero de 2010, se lanzó un álbum doble que compilaba material de su gira 2003, llamado A Reality Tour.

A fines de marzo de 2011, se filtró por internet Toy, un álbum no publicado de 2001 que incluye material utilizado para Heathen y la mayoría de sus caras B, además de algunas versiones inéditas de su catálogo.

2013-2016: retiro de los escenarios y últimos álbumes

En el año 2013, exactamente en el día de su cumpleaños número 66, se anunció a través de su sitio web oficial que David Bowie lanzaría al mercado un nuevo álbum en marzo titulado The Next Day. Este sería su primer álbum en una década y contenía un total de catorce canciones y tres pistas adicionales. El productor discográfico encargado del proyecto, Tony Visconti, comentó que tenían en sus manos un total de 29 canciones para trabajar en el disco.

En ese mismo día se publicó el primer sencillo del álbum, «Where Are We Now?», compuesto y grabado por Bowie en Nueva York y producido por Tony Visconti. Además, se lanzó un videoclip a través de Vimeo dirigido por el artista neoyorquino Tony Oursler. El sencillo logró posicionarse en el primer lugar de la lista británica de iTunes en pocas horas y debutó en el sexto lugar de la UK Singles Chart, siendo el primer sencillo del artista en ingresar al Top 10 en más de dos décadas.

El 25 de febrero se publicó el segundo videoclip, titulado «The Stars (Are Out Tonight)», dirigido por Floria Sigismondi y en el que Bowie y Tilda Swinton interpretan el papel de marido y mujer. El 1 de marzo, el álbum completo fue lanzado a través de iTunes y debutó en el primer lugar de la lista británica de álbumes, convirtiéndose en el primer álbum del artista en lograrlo desde Black Tie White Noise en 1993. Además, se convirtió en el álbum más vendido del momento.

El videoclip de la canción «The Next Day» generó cierta controversia, ya que en un principio fue retirado de YouTube por incumplir sus políticas y posteriormente restaurado con la advertencia de que su visionado solo estaba permitido para mayores de 18 años.

De acuerdo con The Times, David Bowie prometió que nunca más concedería una entrevista. Por esta razón, el productor Visconti decidió asumir el papel de «la voz de Bowie en la tierra» y otorgó una entrevista en su nombre. En ella, Visconti reveló que el legendario músico no tiene planes de salir de gira en el futuro y que su principal deseo es continuar produciendo discos de alta calidad.

En 2013, se llevó a cabo en el Victoria and Albert Museum una exposición de artefactos de Bowie bajo el título «David Bowie Is«. Posteriormente, la muestra recorrió diversas ciudades como São Paulo, Chicago, París, Melbourne y los Países Bajos.

Además, Bowie hizo una aparición especial en la canción «Reflektor» de Arcade Fire, ofreciendo su voz en un cameo. Asimismo, en octubre de 2013, una encuesta elaborada por la BBC History Magazine nombró a Bowie como el británico mejor vestido de la historia. En los Premios Brit de 2014, Bowie hizo historia al convertirse en el ganador más longevo al recibir el premio al mejor artista británico. La supermodelo Kate Moss recibió el premio en su nombre y, en su discurso de aceptación, Bowie expresó su alegría por ganar el premio y dedicó unas palabras a Escocia, en relación al referéndum para la independencia que se llevó a cabo en ese momento.

En julio de 2014, Bowie anunció que pronto publicaría nueva música, aunque sin dar detalles concretos. A principios de octubre de 2015, se dio a conocer que el músico había grabado una canción para la serie de televisión «The Last Panthers», después de veinte años sin hacerlo. Aunque su agente afirmó que Bowie no volvería a actuar en vivo, a finales del mismo mes el artista anunció en su página web el lanzamiento de su último álbum de estudio, «Blackstar», coincidiendo con su cumpleaños el 8 de enero de 2016.

Fallecimiento de Bowie: Adiós a un ícono de la música

El 10 de enero de 2016, dos días después de su 69 cumpleaños y del lanzamiento de su último álbum de estudio, «Blackstar», David Bowie falleció a causa de un cáncer de hígado en su apartamento de Nueva York. Aunque se le había diagnosticado la enfermedad dieciocho meses antes, el artista no lo había hecho público.

El director de teatro belga Ivo van Hove, quien había trabajado con Bowie en el musical Off-Broadway Lazarus, explicó que el cantante no pudo asistir a los ensayos debido a su enfermedad, aunque siguió trabajando durante el proceso de la misma.

El productor de Bowie, Tony Visconti, declaró que el músico siempre hizo lo que quiso y que su muerte no fue muy diferente a su vida: una obra de arte. Según Visconti, Bowie hizo «Blackstar» como su regalo de despedida para todos nosotros. El productor sabía desde hace un año que esto iba a ocurrir, pero aun así, no estaba preparado. «Bowie fue un hombre extraordinario, lleno de vida y amor, y siempre estará con nosotros. Por ahora, lo apropiado es llorar.»

Después de su fallecimiento, los seguidores de Bowie se reunieron en santuarios callejeros espontáneos para rendirle homenaje. En el mural que hay en Brixton, su ciudad natal, que lo muestra como su personaje creado para «Aladdin Sane», sus fans dejaron flores y cantaron sus canciones. Surgieron otros memoriales en Berlín, Los Ángeles y frente a su apartamento de Nueva York. Las ventas de sus discos y sencillos se dispararon después de la noticia de su muerte.

Bowie había insistido en que no quería un funeral, por lo que fue incinerado en Nueva Jersey el 12 de enero, según su certificado de defunción.